Latin American Contemporary Art
Selección de O-LA: Art Basel OVR

Una selección de 12 obras de la feria virtual de Art Basel, actualmente en exhibición.

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Para este fin de semana, recomendamos dirigirse a Art Basel y disfrutar de la inmensa selección de obras. Hemos seleccionado 12 piezas de artistas latinoamericanos para que comenzar.


Frieda Toranzo Jaeger en Galerie Barbara Weiss

Allegorie auf die Geschichte nach Sappho, 2020
En este tríptico, Frieda Toranzo Jaeger adopta el motivo de Safo, ubicado en un paisaje contemporáneo. En el panel central vemos a Safo en un intento de seducir una estatua de mármol, reflejada en un iris que llena casi todo el formato. La escena está incrustada en un exuberante paisaje tropical, que ha dado un giro apocalíptico y se ve interrumpida por siluetas frente a un fuego rugiente y una policía en llamas.


Mario Garcia Torres at Jan Mot

Silence's Wearing Thin Here, 2000 - 2019
La pieza de audio Silence's Wearing Thin Here está compuesta de fragmentos de sonido que Mario García Torres seleccionó de una variedad de obras multimedia que realizó a partir de la década de 2000. El objetivo era proporcionar una perspectiva general sobre los conceptos explorados a lo largo de su práctica. Silence's Wearing Thin Here ofrece, como lo describe el artista, "un viaje atmosférico por carretera" que se convierte en el contexto para una discusión abstracta entre dos voces femeninas, casi robóticas. Durante su conversación, las ideas sobre el tiempo, la memoria y la política de las imágenes se entremezclan con sonidos ambientales y una partitura musical de varias partes escrita por el artista y producida con una variedad de músicos. García Torres concibió esta pieza sonora como el núcleo de "Illusion Brought Me Here", una exposición individual presentada en Walker Art Center, Minneapolis, 2018 y Wiels, Bruselas, 2019. Con motivo de esta presentación de Art Basel OVR, desarrolló aún más el trabajo. creando una sala virtual de proyección de video. De manera similar al video If Only Think Thought Of The Right Words (n.d.) de Mario García Torres, que también se incluye en la sala de visualización, este trabajo sonoro provoca una reflexión sobre la noción posthumana de voz.


Cecilia Vicuña at Lehmann Maupin

Hilito y Finadita (Little Thread and Dead Woman), 2020
A finales de los años sesenta y setenta, Cecilia Vicuña realizó una serie de pinturas al óleo, muchas de las cuales se perdieron o destruyeron debido a los viajes, el Golpe Militar chileno de 1973 y la falta de cuidado y respeto por su práctica como pintora. En 1986, Vicuña dejó de pintar por completo y solo recientemente ha vuelto a esta práctica. Inspirada e impulsada por las pinturas de su pasado que ya no existen o que se han perdido para ella personalmente, Vicuña está reclamando su historia como pintora recreando versiones nuevas y reinventadas de sus obras anteriores más importantes. El original Hilito y Finadita fue pintado en Santiago, Chile, en 1969. La pintura retrata a una pareja que, en un paseo, se encuentra con una mujer asesinada tirada en el suelo. Ella está muerta, pero un hilo delgado de sangre corre entre sus piernas. El hombre abandona a su compañero para atender a la mujer asesinada. Lo toman con su belleza, incluso en la muerte. Esta es la primera aparición del "hilo rojo" que ha surgido repetidamente en muchas de las obras de Vicuña, incluidas sus series Precarios y Quipu, así como en otras pinturas. Esta obra se exhibió por primera vez en "Cecilia Vicuña: Pinturas Poemas y Explicaciones", en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile en 1971. Más tarde se perdió en un traslado en autobús en el aeropuerto de Los Ángeles en 1972 en tránsito para ser prestada a otra exposición.


Paulo Nazareth at Mendes Woods DM

CA - produtos de genocídio - Bahia y Black soap, 2018
El trabajo de Paulo Nazaret a menudo incorpora gestos simples, que provocan ramificaciones más grandes, transmitiendo una conciencia de los problemas a menudo ignorados de inmigración, racismo y colonialismo en su Brasil natal y más allá al mundo del arte internacional. Si bien su trabajo puede manifestarse en video, fotografía y objetos encontrados, su medio más fuerte puede ser cultivar relaciones con las personas que encuentra en el camino, particularmente aquellos que deben permanecer invisibles debido a su estado legal o aquellos que son reprimidos por las autoridades gubernamentales. En ciertos aspectos, Nazaret utiliza el ideal romántico del artista errante que busca verdades universales para usurpar suposiciones fáciles sobre identidad nacional, historia cultural y valor humano. En nuestro tiempo de exposición sin precedentes, donde la opresión sistemática puede ser documentada y transmitida por cualquier persona con un teléfono inteligente, la misión de Nazaret de representar a los no representados es más relevante y persuasiva que nunca.


Adriana Varejao at Victoria Miro

Azulejão Português, 2018
Adriana Varejão, una de las voces más originales y significativas del arte contemporáneo brasileño, es celebrada por una práctica materialmente diversa que comprende pintura, escultura, dibujo, instalación y fotografía. Siendo un motivo recurrente desde el principio de su carrera, el azulejo [azulejo] forma un aspecto importante del trabajo de Varejão y su uso es tan híbrido como su arte. Este elemento característico de la decoración portuguesa conlleva una variedad de influencias que van desde los artesanos árabes hasta el holandés Delftware y la cerámica china. Introducido a la cultura brasileña por los portugueses durante el período colonial, el azulejo puede verse como una alegoría de la integración cultural. Azulejão Português [Gran Azulejo Portugués] ,, 2018, alude a los azulejos utilizados en las fachadas de los edificios portugueses durante el siglo XIX. El patrón geométrico elegido pertenece al período de transición de la artesanía a la reproducción mecánica de los azulejos. En ambas pinturas, las superficies crepitantes pueden verse como un vestigio del paso del tiempo; Además, estas pinturas proponen reconstruir el azulejo, como un objeto tridimensional, casi escultórico.


Alexandre da Cunha at Galeria Luisa Strina

Kentucky (Indigo), 2020
La producción artística de Alexandre da Cunha es el resultado del tiempo, un buen ojo para la forma y una traducción perceptiva y poética, a veces irónica, de los objetos a nuevas formas y significados. "Se trata de improvisación y fantasía", según él. La instalación textil Kentucky (Indigo) está construida con trapeadores, delicadamente teñidos con pigmento y luego anudados a mano. La función y el significado originales de este objeto cotidiano se disipan por completo y el enfoque y la maniobra inesperados del artista desencadenan en el espectador un nuevo sentido sobre este objeto familiar, abriéndolo a nuevas narrativas.


Icaro Zorbar at Casas Riegner

Golden Triangle (Assisted Installation No.3), 2006
La práctica artística de Icaro Zorbar abarca múltiples campos, incluidos el cine, la música y la antropología. Se profundiza en la creación de máquinas híbridas hechas con una combinación de piezas antiguas y nuevas, así como tecnologías actuales y obsoletas que se transforman con el paso del tiempo. Dirigiendo nuestra atención a los dispositivos de reproducción (es decir, giradiscos, proyectores, ventiladores, cajas de música, sistemas de sonido) y su capacidad peculiar de congelar el tiempo casi indefinidamente, las piezas de Zorbar reciben una voz que hace eco de emociones y sentimientos humanos complejos. Los gestos sutiles de sus piezas a menudo evidencian el inevitable deterioro de la tecnología, ya que se incorporan cuidadosamente imperfecciones de ruido inesperadas, polvo y alteraciones de calidad; En esta aceptación del fracaso intrínseco de la tecnología, el artista encuentra intensas cualidades humanas.


Erika Verzutti at Fortes D'Aloia & Gabriel

Esperança Equilibrista / Funanbulist’s Hope, 2020
Durante la última década, Erika Verzutti ha desarrollado relieves montados en la pared que extienden los límites entre la pintura y la escultura. Guiados por la experiencia táctil, estas "esculturas de pared" establecen una relación compleja entre dos y tres dimensiones, forma y expresión sensorial. Esperança Equilibrista (2020) toma prestado su título de un verso de una canción de 1979 popularizada por la cantante Elis Regina. Las letras usan imágenes y metáforas veladas para describir la tristeza y la falta de libertad de los artistas en Brasil durante la dictadura. El compositor es Aldir Blanc, quien falleció recientemente, y después de quien la comunidad artística creó Lei Aldir Blanc: un proyecto que ayuda a artistas, músicos y jugadores de capoeira a sobrevivir a la pandemia de COVID-19.


Paolo Salvador at Peres Projects

Pumakunaq kawsaynin, 2020
Las pinturas de Paolo Salvador (n. 1990, Lima, Perú) reúnen una cosmovisión distinta. Basándose en imágenes míticas, sus obras prestan una reflexión contemporánea a temas antiguos. Con pinceladas sueltas y colores saturados, la práctica de Salvador evoca la biografía, tanto personal como nacional. Educado en el oeste, sus pinturas ofrecen una visión cercana de su identidad peruana, pero desde la distancia. La metodología de Salvador implica un compromiso cuidadoso con sus materiales, ya que construye capas y detalles de pintura a través del lienzo. Estos diferentes planos de la pintura se traspasan y sangran entre sí, revelando y cubriendo, creando y al mismo tiempo aplanando la profundidad de los paisajes. Salvador recientemente tuvo una exposición individual en Open Forum, Berlín, y participó en exposiciones grupales en PQH, Londres, y el Centro de Investigación Slade, Londres. En 2014 obtuvo su BFA de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y en 2019 obtuvo un MFA en la Slade School of Fine Art de Londres.


Dalton Gata at Peres Projects

Vista desde la ventana (View from the window), 2020
La práctica multidisciplinaria de Dalton Gata (n. 1977, CU) expone un universo visual abundante y distinto. Su pintura, fotografía, dibujo e instalación combina la cultura popular con las relaciones personales, lo surrealista con lo cotidiano. Nacido en Cuba y con sede en Puerto Rico, el trabajo de Gata opera en múltiples registros; lo simbólico, lo político y lo personal para abordar temas de migración, raza y desigualdad. Los variados y diversos habitantes de sus lienzos que miran al espectador perturban la mirada antropocéntrica occidental. Basándose en un lenguaje visual de realismo estilizado, con guiños al legado del surrealismo, sus pinceladas largas y curvas, y sus figuras compuestas hacen referencia y estimulan un sentido de encarnación y erotismo. Estas obras están profundamente arraigadas y señalan el trasfondo caribeño del artista y hacen referencia a historias africanas y españolas. La mediación de Gata sobre el rendimiento y el artificio, la recuperación de símbolos "sucios", son traducciones estéticas oportunas y notables del caos de nuestro tiempo.


Sol Calero at ChertLüdde

Amazonas, 2017
"Amazonas" es un dibujo en colores pastel y tiza sobre la pizarra de Sol Calero. Mostrado por primera vez en Hamburger Banhof en 2017 para la instalación del Centro Comercial Amazonas, el trabajo muestra los motivos tropicales distinguibles de Calero que se refieren a los estereotipos visuales y culturales que rodean a América Latina como un Otro carnavalizado. A gran escala y con un lienzo de pizarra, el trabajo hace referencia a la visión de Calero de la educación popular en torno al tema de la historia y la cultura latinoamericanas. La instalación en Hamburger Banhof surgió de una exposición individual producida dos años antes en Studio Voltaire, Londres, titulada La Escuela del Sur. La exposición toma su título del artista y teórico del arte uruguayo Joaquín Torres García, cuya pieza de 1935 propuso un movimiento artístico autónomo que invierte la jerarquía tradicional del arte, colocando a América Latina en el nexo de la historia del arte. García pasó a fundar el Taller Torres García, una comunidad artística educativa progresista que tenía como objetivo desarrollar un lenguaje artístico latinoamericano distintivo basado en teorías constructivistas. Al observar el estilo arquitectónico victoriano de Studio Voltaire, Calero volvió a trabajar el espacio basado en la cultura visual de América del Sur, imaginando un entorno escolar donde el aprendizaje y la reunión comunitaria podrían tener lugar.


Mariela Scafati at Isla Flotante


An, 2019
Fragmento de: Glosario para escuchar piedras, por Mariela Scafati y Nicolás Cuello. Medida: Entre tú y yo, solo hay nueve bloques. Respiro: envíame un mensaje cuando llegues a casa, te estaré esperando.